Veja o trailer:

BRILHOS
Uma das principais apostas da estação são os brilhos, e eles surgem em diversas formas: paetês, gliterizados e max coloridos, no melhor estilo carnaval, chamando assim toda a atenção para os pés das brasileiras.

METALIZADOS
As mais discretas também podem usar e abusar dessa onda iluminada, pois entre as promessas para o inverno, os metalizados ganham destaque. Prateados, dourados e bronzeados, a cartela de cores enriquece ainda mais as coleções.

MOCASSINS
As it girls, mais uma vez, invadiram o closet masculino e depois do oxford agora são os mocassins que fazem a cabeça das fashionistas. Mais estruturados, no melhor estilo slipper ou molinhos para garantir conforto, o modelo calçará 10 entre 10 mulheres nesta estação.

ANIMAL PRINT
Entre as estampas da temporada, atenção total para os pítons. As serpentes tomam posse do lugar que um dia foi da onça, embora os felinos ainda se destaquem nesse inverno. Em algumas coleções o ton sur ton se mistura aos prints. Puro luxo.

RETRÔ
O modelo retro tem tudo a ver com a estação. Saltos redondos, do tipo boneca e estampas lúdicas se misturam em coleções que além de lindas agregam conforto aos pés.

ANKLE BOOTS
Poderosas, assim são as ankles boots. Sejam com bicos fechados ou peep toe o modelo se tornou febre nacional e item tem que ter na produção. Para o inverno os modelos chegam em veludo, camurça, gliterizadas, metalizadas e animal print com diversas possibilidades de saltos.

BOTAS, BOTAS E MAIS BOTAS
É claro, as botas não podem faltar, elas sempre serão protagonistas no inverno. A novidade é que os modelos montaria cederam espaço para as botas de cano curto, ou dobráveis, a famosa 2 em 1. Coturnos com aplicação de tachas, pelos e estampas xadrezes também surgem como hits.

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Capa do livro "Sombra"

Sombra ilumina o drama da guerra e dos refugiados e nos faz refletir sobre a crueldade humana

Sombra, do inglês Michael Morpurgo, também autor de Cavalo de Guerra, filmado por Steven Spielberg, começa quase como um conto de fadas inglês e vai nos surpreendendo a cada página, a cada capítulo, levando ao aprofundamento dos dramas humanos. Em meio à guerra no Afeganistão, uma cachorra perdida, ferida e esfomeada, da raça springer spaniel, aparece diante de uma caverna, onde uma família tenta se proteger das ameaças dos soldados do Talibã. Um garoto afegão procura protegê-la e ela não o larga mais, apesar de enxotada e apedrejada por outras pessoas. Ele, então, a apelida de Sombra. Uma sombra que vai protegê-lo, guiá-lo e ajudá-lo a fugir do inferno.

O enredo está acontecendo agora, neste exato momento, permeado pela fome, frio, dor e morte. É o drama atualíssimo dos refugiados, uma tragédia que vem afligindo grande parte da humanidade, sobretudo nas últimas décadas. Milhões de pessoas estão sendo obrigadas a abandonar as suas raízes em busca de um pouco de paz. É a diáspora moderna dos que fogem da guerra, da fome, da perseguição.

Um jornalista inglês aposentado, seu neto e um garoto afegão estruturam esta história sensível e comovente, que começa em Cambridge e faz um tour forçado pelo Afeganistão, passando por vários países, até retornar à Inglaterra, exatamente ao Yarl’s Wood, um centro de remoção de imigrantes em Bedfordshire. É lá que os refugiados ficam e de onde muitos são mandados de volta.

Apesar do tema dramático, o autor consegue banhá-lo com um humanismo sem fronteira. O livro pode ser lido por uma criança, um adolescente, um adulto, um idoso. E todos vão se identificar, entender exatamente o que está se passando. E tomar partido, inclusive aqueles que acham que cada um deve ficar em seu país de origem, como se o planeta não fosse a morada de todos os homens, indistintamente.

Embora seja uma obra de ficção, Sombra mostra um ângulo feio da humanidade, que muitos pretendem esconder. É um enfoque sobre um caso isolado, mas que chama a atenção para milhões de outros. Para amenizar esta tragédia universal, o poeta e escritor Morpurgo banha cada página com muito humanismo, deixando a crueldade como pano de fundo. Outro ponto forte desta obra são as ilustrações de Christian Birmingham, que se fundem à história, tornando-a ainda mais pungente.

Se perguntarem se dói, esta história dói. Mas não é o drama pelo drama, um comércio de emoções baratas. Ao contrário, leva-nos a entender que a vida é uma só em qualquer lugar, frágil e bonita, encantadora e misteriosa. Sombra é uma obra de luz, um farol que pode nos guiar a um mundo melhor. E os cachorros têm um bom faro para isso.

“É um livro incrível. Mal consegui largar para dormir.” The Guardian

“Shadow é um novo clássico.” The Observer Review

“Comovente e encantador, o livro dá uma boa visão do custo humano da guerra.” Daily Express

“A humanidade e o cuidado de Morpurgo criaram uma história repleta de coragem, amor e esperança.” The Times

“O livro é uma importante contribuição ao contínuo debate sobre as consequências morais da guerra e da imigração.” The Times

Sombra
Autor: Michael Morpurgo
Formato: 16 x 23 cm.
Páginas: 232
Categoria: Literatura infanto-juvenil

Os Duplos (Foto: João Caldas)

Companhia apresenta obras de seu repertório no Holland Dance Festival, em Haia, Holanda, e no Internacionale Tanz Wochen, em Neuss, Alemanha

Criada e mantida há quatro anos pelo Governo do Estado de São Paulo, a São Paulo Companhia de Dança embarca este mês para sua segunda turnê na Europa. Serão quatro apresentações em dois dos maiores festivais de dança do mundo.

Nos dias 23, 24 e 25, às 21h, no Theater aan het Spui, dentro do Holland Dance Festival, em Haia, Holanda, a Companhia apresenta: Os Duplos, Maurício de Oliveira; Inquieto, de Henrique Rodovalho e Gnawa, de Nacho Duato. No dia 28, quando a SPCD sobe ao palco do Staadthalle Neuss, às 20h, na programação do Internacionale Tanz Wochen, em Neuss, o repertório é um pouco diferente. As obras apresentadas serão: Os Duplos, de Maurício de Oliveira, Gnawa, de Nacho Duato e Supernova, de Marco Goecke.

Para Iracity Cardoso, diretora da São Paulo Companhia de Dança, a apresentação da SPCD em ambos festivais é uma chance para que o povo europeu possa ver uma jovem companhia de dança brasileira na Europa. “Já estive nestes dois festivais com o Ballet Gulbenkian, quando o dirigia, e agora voltar com uma companhia brasileira é um grande prazer”, fala. “Neste festivais temos a chance de encontrar outras importantes companhias de dança do mundo e mostrar também à elas o nosso repertório”, completa Iracity.

“Preparamos para estes festivais um programa que mostra a versatilidade dos nossos intérpretes e combina obras criadas especialmente para a Companhia por coreógrafos brasileiros com peças do repertório internacional”, fala Inês Bogéa, diretora da São Paulo Companhia de Dança. “É nossa segunda apresentação na Europa. No ano passado (2011) estivemos em Baden-Baden, na Alemanha. Foram três dias de apresentações com a casa lotada. Estes festivais são uma grande oportunidade de trocarmos com outras companhias, além de podermos sentir a vibração da plateia podemos ampliar nossas possibilidades artísticas”.

SOBRE AS OBRAS

Os Duplos (2010)

Holland Dance Festival, Haia, Holanda

Internacionale Tanz Wochen, Neuss, Alemanha

Coreografia: Maurício de Oliveira
Figurinos: Jum Nakao
Trilha Original: André Abujamra
Espaço cênico e desenho de luz: Wagner Freire
Duração: 20 minutos com 8 bailarinos

A criação de Maurício de Oliveira para a São Paulo Companhia de Dança tem como foco a imagem do bailarino que se multiplica ao longo da cena. No ambiente marcado pela luz de Wagner Freire, oito intérpretes procuram desenhar o espaço por meio de seus movimentos e pela própria relação dos corpos. É o duplo de cada um, do outro e do conjunto, que estabelece relações ambíguas. Entram, misturam-se, contaminam-se na busca de um encontro com o outro e consigo. Habitam um tempo particular. Em Os Duplos os artistas são cocriadores das estratégias apresentadas, cuja assinatura coreográfica é reconhecida pelo movimento e dialoga com o figurino de Jum Nakao, com a iluminação e o espaço cênico criados por Wagner Freire e com a trilha especialmente composta por André Abujamra.

Gnawa (2005)

Holland Dance Festival, Haia, Holanda

Internacionale Tanz Wochen, Neuss, Alemanha

Coreógrafo: Nacho Duato
Música: Hassan Hakmoun, Adam Rudolph, Juan Alberto Arteche, Javier Paxariño, Rabih Abou-Khalil, Velez, Kusur e Sarkissian
Figurinos: Luis Devota e Modesto Lomba
Iluminação: Nicolás Fischtel
Remontagem: Hilde Koch e Tony Fabre
Organização e produção original: Carlos Iturrioz Mediart Producciones SL (Spain)
Duração: 21 minutos e participação de 14 bailarinos

Gnawa, presente no repertório da São Paulo Companhia de Dança desde março de 2009, é de autoria do consagrado criador Nacho Duato e é inspirada no universo étnico e religioso de uma confraria mística muçulmana do norte da África. De origem sub-saariana, os gnawas incorporam cantos às suas práticas espirituais, e Duato adotou, como base da coreografia, canções dessa comunidade. Gnawa dá continuidade à pesquisa do coreógrafo iniciada em Mediterranea, que assinala um interesse do espanhol pelos ritmos ancestrais da região. Gnawa como muitas das criações de Duato, busca um equilíbrio entre o clássico e o contemporâneo, como entre o local, o particular (no caso, a cultura mediterrânea) e o universal, as questões simbólicas que renovadamente propõe a arte.

Inquieto (2011)

Holland Dance Festival, Haia, Holanda

Coreografia e iluminação: Henrique Rodovalho
Trilha sonora original: André Abujamra
Figurinos: Cássio Brasil
Cenografia: Shell Jr.
Execução do cenário: Fábio Brando
Duração: 23 minutos com 11 bailarinos

Em Inquieto Henrique Rodovalho apresenta três faces do desassossego. Três personagens marcam a cena e pouco a pouco revelam diferentes inquietudes diante do mundo: uma velada, aparentemente imóvel, que transparece em pequenos gestos quase incontroláveis; outra determinada, como uma linha que risca de forma direta todo o espaço da cena; e outra traduzida propriamente em movimento: o corpo em suas diferentes articulações, conexões e sinuosidades expandidas no espaço. No desenvolvimento da peça, o terceiro personagem se desdobra em dez: os movimentos se multiplicam, passam pelos distintos intérpretes, como se fossem um e ao mesmo tempo muitas facetas da inquietude humana, criando novas estruturas e repetições com variantes. O desenho do corpo no espaço se completa com o traço do cenário de Shell Jr. em permanente construção na cena. A luz também cria o espaço, recortando o palco e enfatizando determinados momentos da obra. Os riscos do figurino de Cássio Brasil acentuam as sombras e dobras do corpo e a música de André Abujamra cria o ambiente e revela as dinâmicas da obra. Imobilidade e movimento, sombra e luz, linhas retas e sinuosas. As polaridades vistas na cena nos instigam a interrogações em torno do espaço e suas possibilidades e invenções revelam um pouco da apreensão cotidiana.

Supernova (2009)

Internacionale Tanz Wochen, Neuss, Alemanha

Coreografia e figurinos: Marco Goecke
Músicas: Pierre Louis Garcia-Leccia, álbum “Ohimé” faixa “Aka”, Antony & The Johnsons, álbum “Another Word” faixa “Shake That Devil”
Remontagem: Giovanni di Palma
Iluminação original: Udo Haberland
Dramaturgia: Nadja Kadel
Duração: 21 minutos com 7 bailarinos

Qual o seu último passo antes de ser engolido pela escuridão? É essa a questão que norteou Marco Goecke na montagem de Supernova, que estreou em 2009, com o Scapino Ballet, em Rotterdam. Nesta peça, montada para sete intérpretes – três mulheres e quatro homens – o interesse do coreógrafo está no instante em que as luzes aparecem e desaparecem na cena e o que se instaura neste intervalo. Para Goecke, que utiliza recursos de fogo em cena, é preciso tornar o impossível, possível. A iluminação é assinada por Udo Haberland.

Orange Coffee (Divulgação)

Energético natural, a cafeína pode ser uma grande aliada dos foliões

O carnaval está chegando e os foliões precisam de muita energia e disposição para aguentar as noites mal dormidas e as longas horas dançando ao som do trio elétrico, do samba enredo ou mesmo nos bailes com as clássicas marchinhas. O café pode ser um grande aliado, pois além de ser naturalmente estimulante, é delicioso.

Um dos principais benefícios do consumo de café é a energia. A cafeína age no sistema nervoso autônomo como estimulante, produzindo um estado de excitação. “A bebida estimula o sistema normal de vigília, aumentando a atenção, a concentração e a memória”, diz o médico Darcy Roberto Lima, coordenador científico do projeto Café & Saúde, do Ministério da Agricultura.

Confira abaixo deliciosas receitas de café gelado – energéticos e refrescantes:

Orange Coffee

Tempo: 10 minutos
Rendimento: 2 porções

Ingredientes
500ml de suco de laranja
5 a 6 cubos de gelo de Café Iguaçu Clássico
3 colheres (sopa) de creme de leite
3 colheres (sopa) de açúcar

Modo de Preparo
Para preparar os cubos de gelo de café faça uma medida da bebida a seu gosto, preencha em uma forma de gelo e leve ao freezer até congelar. Em um liquidificador coloque todos os ingredientes e bata até as pedras de gelo de café desmancharem. Transfira para uma taça e sirva imediatamente.

Drink Moka

Tempo: 10 minutos
Rendimento: 2 porções

Ingredientes
1 lata de leite condensado
1 lata de água (use a lata de leite condensado para medir)
1 colher (sopa) de Café Solúvel Iguaçu em Pó
Gelo picado a gosto

Modo de Preparo
Em um liquidificador coloque o leite condensado, a água, o café e bata-os bem. Distribua o gelo em copos altos e coloque a bebida. Sirva logo em seguida.

Espuma de Avelã

Tempo: 10 minutos
Rendimento: 2 porções

Ingredientes
½ xícara (chá) de Café Solúvel Clássico Iguaçu frio
½ xícara (chá) de leite
6 bolas de sorvete de chocolate
4 colheres (sopa) de creme de avelã com cacau
Calda de chocolate para decorar

Modo de preparo
Em um liquidificador bata o café, o leite, o sorvete e o creme de avelã com cacau. Decore a lateral de copos altos com a calda de chocolate e disponha a bebida. Sirva imediatamente.

Indicador de Preços da Cultura

Divulgada a pesquisa atualizada de valores com base no mês de janeiro

O Ministério da Cultura (MinC) divulgou nesta quarta-feira, 15, a pesquisa atualizada dos indicadores nacionais de preços da cultura, levantados segundo parâmetros e técnicas de mercado, de acordo com o mês de janeiro, para as cidades de Brasilia e Porto Alegre. A pesquisa, utilizada para lastrear e avaliar propostas candidatas à renúncia fiscal pela Lei Rouanet, foi lançada pelo MinC em outubro do ano passado, e está sendo atualizada a cada mês.

O levantamento detecta os valores médios de 255 itens, entre serviços e mão de obra do universo da produção cultural. Os itens são os mais diversos, abrangendo desde preços de hospedagem, locação de veículos e espaços, frete e alimentação, até preços de mão de obra de cinegrafistas, coreógrafos, diretores e técnicos em variados segmentos. Até a pesquisa ser lançada, o mercado não dispunha de parâmetros para análises com identificação desses dados.

Os valores apontados constituem-se como referências para o mercado cultural, mas não são preços fixos para as categorias elencadas. De acordo com o secretário Henilton Menezes, da Secretaria de Fomento e Incentivo à Cultura (Sefic), do Ministério da Cultura, a proposta não é engessar e sim servir como parâmetro, em torno do qual deverão gravitar os valores aprovados. “Caso o proponente apresente valor discrepante ao divulgado na pesquisa, deverá justificar o motivo junto ao MinC, visando à coerente aplicação dos recursos públicos”, disse o secretário.

Os indicadores resultam do contrato do MinC com o Instituto Brasileiro de Economia da Fundação Getúlio Vargas (FGV). As cidades de Belém, Recife, Brasília, Porto Alegre, São Paulo e Rio de Janeiro, capitais-base da pesquisa, são consideradas como representativas das regiões brasileiras. Entre as fontes consultadas, estão tabelas de sindicatos e associações, de fornecedores e taxas de serviços públicos.

Acesse abaixo os indicadores de preços atualizados:

Serviços

Mão de Obra

Leia a matéria na íntegra

(Fonte: Sefic/MinC)

Mundo sustentável 2 - novos rumos para um planeta em crise

Em Mundo sustentável 2, o jornalista André Trigueiro oferece um amplo panorama de discussões, ideias e soluções em torno da sustentabilidade

Lançado pela Globo Livros em 2005, Mundo sustentável – abrindo espaço na mídia para um planeta em transformação converteu-se imediatamente em obra de referência em sustentabilidade para o público brasileiro. Com frequência indicado por professores a alunos de escolas e universidades, o livro conquistou o público jovem não só pela atualidade do tema, mas pela proposta inovadora. Coletânea de artigos, entrevistas e comentários veiculados originalmente em diferentes mídias, a publicação traduzia em linguagem jornalística, direta e acessível, toda a urgência da mudança pela qual o planeta precisa passar para não entrar em colapso.

O livro, que ganhou sucessivas reimpressões, incentivou o autor André Trigueiro a elaborar um projeto de atualização dos conteúdos. Um projeto que cresceu – e o que era para ser uma edição “revista e atualizada” se transformou em uma nova obra. Nasce, assim, Mundo sustentável 2 – novos rumos para um planeta em crise, lançamento da Globo Livros. O volume é recheado de reportagens, artigos e comentários produzidos por Trigueiro em anos mais recentes – da antiga edição foram mantidos apenas alguns poucos textos que seguem pertinentes e atuais. Preservou-se, também, a característica-chave da publicação, a convergência de diferentes mídias no formato de um livro. Comentários feitos pelo rádio, artigos publicados em jornais ou na internet e reportagens de TV convivem lado a lado, transcritos com o cuidado de se respeitar os diferentes tons de linguagem originalmente adotados em cada veículo.

Além de registrar, por meio de matérias e programas jornalísticos de autoria de Trigueiro, os caminhos da sustentabilidade no Brasil e no mundo, Mundo sustentável 2 abre espaço ainda para a opinião. Em cada um dos oito capítulos temáticos, há textos de convidados especiais – do escritor indígena Marcos Terena e do sociólogo Sérgio Abranches a Vicente Andreu, diretor presidente da Agência Nacional de Águas (ANA).

Sobre o autor

Jornalista várias vezes premiado por sua obra ligada à sustentabilidade, o autor André Trigueiro é apresentador do Jornal das Dez e editor-chefe do programa Cidades e Soluções, ambos da Globo News, além de comentarista da Rádio CBN e criador do site www.mundosustentavel.com.br. Também atua como professor universitário, tendo sido criador do curso de Jornalismo Ambiental da PUC/RJ.

Ficha técnica:

Título: Mundo sustentável 2 – novos rumos para um planeta em crise
Autor: André Trigueiro
Páginas: 400
Formato: 16 cm x 23 cm

Walney Costa (Divulgação)

O ator Walney Costa ministra a oficina O que tu qué com o teatro?, de 2 de março a 27 de abril, na Casa de Cultura Mario Quintana. Serão realizados dois encontros semanais, terças e sextas-feiras, das 19h às 22h, abordando os fundamentos da atuação, da interpretação, da representação e da criação. Os interessados devem enviar carta de intenção para o email www.walney@gmail.com

Os objetivos são a formação de um coro de protagonistas, a construção de uma dramaturgia sobre o papel do ser humano no século 21, a abordagem dos conflitos do Especismo e, principalmente, a prática do jogo do teatro através de seus fundamentos: corpo, voz, fé cênica, texto, sub-texto, memória, expressão, realismo, poesia, canção, criação de personagens e construção da cena.

Natural de Triunfo, Walney Costa passou 30 anos no Rio de Janeiro, onde construiu sua carreira e voltou no ano passado. Estreiou em Porto Alegre em 1981, com O Maravilhoso Mundo do Circo, espetáculo que lhe rendeu a indicação de Melhor Ator no Prêmio Açorianos. No ano seguinte protagonizou Marat-Sade, de Peter Weiss, e em 1985, já no Rio de Janeiro, atuou em Bailei na Curva, de Julio Conte. Integrou a Cia. Ópera Seca e com Zé Celso Martinez Correa, no Teatro Oficina, fez Hamlet e Mistérios Gozozos. Em 2002, nos 20 anos do grupo Cemitério de Automóveis, dirigido por Mário Bortolotto, atuou em Nossa Vida Não Vale um Chevrolet e Ovelhas que Voam se Perdem no Céu. Em 2011 montou a peça Reator na Casa de Cultura Mario Quintana. Atuou inúmeras vezes na televisão e cinema.

Texto: Vera Pinto
Edição: Asscom Sedac
Fonte: SEC

Mestre Borel (Divulgação)

O Memorial do Rio Grande do Sul exibe dois filmes com entrada franca no Auditório Oswaldo Goidanich durante esta semana.

O documentário Mestre Borel e a Ancestralidade Negra em Porto Alegre será exibido na quarta-feira (22), às 13h, e na sexta-feira (24), às 12h. Walter Calixto Ferreira, o Mestre Borel, fala sobre suas memórias e experiências em cidades brasileiras ligadas a um itinerário negro.

Na quinta-feira (23), às 12h, será exibido o filme O Imperador e o Rei. A película mostra a infância, o enriquecimento e a falência de Irineu Evangelista de Souza (1813-1889), o empreendedor gaúcho mais conhecido como Barão de Mauá. Considerado o primeiro grande empresário brasileiro, foi responsável por uma série de iniciativas modernizadoras para economia nacional, ao longo do século XIX.

Texto: Asscom Sedac
Fonte: SEC

O primeiro vídeo é um marketing organizado e executado por uma empresa telefônica em Liverpool, dentro das terras onde Elizabeth II segue como rainha! Aliás, hoje a senhorinha completa 60 ANOS de REINADO, eitaaaaa!!! Mas voltando ao vídeo, essa intervenção reuniu, penso eu, mais de 200 ou 300 pessoas, e no fim como de praxe cada um segue seu rumo, como se nada estivesse planejado.

O segundo vídeo é um apelo mais humanitário, um protesto simulando a morte coletiva por radiação atômica, organizado por manifestantes contrários a criação de usinas nucleares no país – Suíça. É incrível observar a reação do público que se desespera no momento em que as pessoas caem – se jogam – no chão, confira.

Chica da Silva

O personagem João da Silva Oliveira tem muito em comum com uma das figuras mais populares do país. Proveniente de família humilde, ele, por ser pobre e negro, sofre muito preconceito dos demais colegas. Em Chica da Silva, lançamento da PAULUS, o leitor vai descobrir as semelhanças entre os dois e conhecer, de forma leve e divertida, um pouco mais da história dessa grandiosa brasileira.

Escrita por João Pedro Roriz, a obra tem uma proposta diferente: contar a história da ex-escrava por meio de uma situação paralela. “Lembrei dos meninos que conheci em comunidades carentes nos trabalhos voluntários que eu realizava. Pensei em fazer uma correlação entre os problemas vividos por Chica da Silva e as crianças humildes e marginalizadas do dia de hoje”, explica o autor.

O livro, narrado em primeira pessoa, conta a história de João, órfão de pai, criado pela mãe e pela avó, que vivia matando aula na escola para fazer o que mais gostava: jogar futebol. Porém, ele não levava o menor jeito com a bola, e seu desempenho, assim como a sua cor de pele, rendia piadinhas dos colegas da escola, fato que o deixava muito incomodado.

“— Vó, eu estou muito triste – eu disse quase chorando. — Os meus amigos me ofendem por causa da cor da minha pele. Se eu tivesse uma tonelada de dinheiro, eles me respeitariam mais!”, relata o personagem durante trecho do livro.

A partir daí, o enredo ganha um clima envolvente pelo diálogo entre o menino e sua avó, que tenta confortá-lo motivando-o a acreditar em si mesmo e a superar sua insegurança. Para isso, ela usa como exemplo a vida de Chica da Silva, escrava que sofria preconceito por ter conseguido alcançar um bom lugar na sociedade.

“— O povo inventava histórias para justificar a ascensão de Chica da Silva. Afinal, a negra fora filha de uma africana e conquistara o posto mais cobiçado entre as mulheres brancas do Tejuco: ser companheira de um rico contratador de diamantes. Chamaram-na de prostituta e feiticeira, mas o mais provável é que João Fernandes a amasse”, narra a avó ao neto.

O texto conta detalhadamente cada passo da brasileira e retrata o cenário político e econômico da época, além de destacar como viviam os escravos e a situação das mulheres negras naquele tempo. Com essa proposta, o leitor vai conhecer a instigante trajetória de Chica da Silva e saber como a sua história ajudou João a dar um grande passo rumo ao seu sonho de ser jogador de futebol.

Da coleção Mistura Brasileira, Chica da Silva também possui belíssimas ilustrações que traduzem fielmente cada passagem. Ao final do livro, há um rico glossário para os mais novos poderem compreender algumas palavras e expressões, como ‘concubina’, que quer dizer companheira, parceira ou amante.

João Pedro Roriz é escritor, ator e jornalista. É autor das peças teatrais “Carmem – O musical” e “Rio Dell’Arte”. Produz e apresenta o programa “Rio Cultural” na Rádio Rio de Janeiro.

Carol Roscito, formada em Artes Visuais, com ênfase em Design, pela PUC – Campinas, já trabalhou como arte-educadora em diferentes instituições e escolas. Atualmente, trabalha como ilustradora, realizando projetos para o mercado editorial, publicitário e acadêmico.

Serviço
Título: Chica da Silva
Autor: João Pedro Roriz
Ilustrações: Carol Roscito
Coleção: Mistura Brasileira
Acabamento: Grampeado
Formato: 21 cm x 27 cm
Páginas: 40
Preço: R$ 25,00
Áreas de interesse: História, literatura e língua portuguesa

Carretera nº 18 de Camilo Cristópharo - Década de 50 (Foto: Silvia Linhares)

De 28 de fevereiro a 17 de março acontecerá, no Conjunto Nacional, a 3ª Velocult – Semana Cultural da Velocidade, idealizada pelo designer Paulo Soláriz para homenagear o automobilismo brasileiro e as figuras que fizeram a história deste esporte que emociona nosso povo há décadas. O evento mostrará a trajetória do automobilismo brasileiro através da exposição de carros de corrida do passado e de hoje, objetos utilizados por pilotos, troféus importantes da história, réplicas em miniatura de carros históricos, obras de arte referentes ao automobilismo, totens informativos sobre o esporte e a Velocult, capacetes pintados pela lenda Sid Mosca e muito mais.

Mas, segundo Soláriz, o destaque da edição deste ano é a homenagem feita pela CBA a ex-pilotos, jornalistas e nomes que fizeram a história do automobilismo no Brasil. Após ser vista por mais de 40 mil pessoas por dia em 2011, a 3ª Semana Cultural da Velocidade deve receber neste ano mais de 1 milhão de pessoas durante os 20 dias da exposição. O sucesso da edição passada fez com que a Secretaria da Cultura do Município de São Paulo abrisse um requerimento para a inclusão da Velocult no calendário cultural oficial da cidade em 2012, já que a exposição é o 4º evento mais visitado da cidade. A curadoria da exposição desta vez ficará a cargo de Bird Clemente, ex-piloto das décadas de 50 e 60 e um dos precursores do automobilismo brasileiro, e Paulo Gomes, ex-piloto 4 vezes campeão da Stock Car.

Os visitantes terão a oportunidade de ver de perto a legendária Carreteira nº 18 de Camilo Cristópharo, construída nos anos 50; o Willys Interlagos nº 22 que Bird Clemente “escorregava” pelo autódromo paulistano em 1965; o DKW nº 10 da Equipe Vemag; um Opala Coupé 1975 com motor V8; um Cadillac Allard J2 de 1950; modelo da Fórmula Indy; os carros que Paulo Gomes pilotou quando foi Tetracampeão da Stock Car; um Maserati 1936, antigo sem carroceria; modelos de carros de Turismo, além de outros protótipos “envenenados”, como os da FEI (Fundação Educacional Inaciana).

Mais do que os carros de competição, os visitantes poderão registrar os momentos de alegria empunhando uma réplica do troféu da Fórmula 1 de 2011, criado por Soláriz, no alto de um pódio montado especialmente para pais e filhos dividirem emoções. Além disso, uma réplica do troféu da Fórmula 1 do ano passado e um capacete serão sorteados entre os visitantes que passarem pela Velocult e adquirirem seu número. Toda a renda obtida nos sorteios será doada para o grupo “Médicos sem Fronteiras”, uma organização médico-humanitária internacional, independente e comprometida em levar ajuda às pessoas que mais necessitam.

A 3ª Semana Cultural da Velocidade é um evento idealizado pelo designer Paulo Soláriz com apoio da Secretaria da Cultura do Município de São Paulo, Conjunto Nacional, CBA (Confederação Brasileira de Automobilismo) e seu presidente Cleyton Pinteiro, Instituto Ayrton Senna e organização “Médicos Sem Fronteiras”.

Serviço: 3ª Semana Cultural da Velocidade – Velocult
Local: Espaço Cultural Conjunto Nacional
Endereço: Avenida Paulista, 2.073 – São Paulo – SP
Data: Cocktail de abertura para imprensa e convidados: 27 de fevereiro de 2012
Período de visitação do público: de 28 de fevereiro a 17 de março de 2012
www.velocult.com.br

Depois da morte do seu pai relojoeiro, Hugo passa a viver na Gare du Nord, a majestosa estação de trem em Paris cujos relógios o órfão acerta diariamente. Como herança, Hugo ganhou não apenas o talento com engrenagens miúdas, mas também um misterioso autômato, que o garoto tenta remontar com peças que ele rouba de uma loja de brinquedos na estação. Transcorrem os anos 1930 e ninguém desconfia que o deprimido dono da loja é, na verdade, o cineasta Georges Méliès, um dos pais do cinema.

Aventura/Drama – (Hugo) EUA, 2011. Direção: Martin Scorsese. Elenco: Asa Butterfield, Ben Kingsley, Chloë Moretz, Jude Law, Sacha Baron Cohen, Christopher Lee. Duração: 126 min. Classificação: livre.

Trailer:

O Homem que Mudou o Jogo

Billy Beane (Brad Pitt) é o técnico do time de beisebol de Oakland, os A’s. Como em muitos esportes, as equipes ficam de olho nos times universitários e amadores para ver se conseguem encontrar novos talentos. Com um orçamento apertado, Beane decide investir dinheiro, com a ajuda de um analista novato (Jonah Hill), em um sistema matemático que analisa e escolhe os melhores jogadores – inclusive suas posições.

Drama – (Moneyball) EUA, 2011. Direção: Bennet Miller. Elenco: Brad Pitt, Jonah Hill, Chris Pratt, Robin Wright. Duração: 133 min. Classificação: 10 anos.

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A Dama de Ferro

A história da Primeira-Ministra da Inglaterra Margareth Thatcher, desde a sua infância, as dificuldades do poder, até sua luta contra a demência nos dias de hoje.

Drama – (The Iron Lady) Reino Unido, 2011. Direção: Phyllida Lloyd. Elenco: Meryl Streep, Jim Broadbent, Olivia Colman, Alexandra Roachn. Duração: 105 min. Classificação: 12 anos.

Participe da promoção sobre o filme e concorra a ingressos

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Motoqueiro Fantasma – Espírito de Vingança

No segundo filme do herói demoníaco da Marvel, Johnny Blaze está escondido no Leste europeu, buscando uma maneira de controlar sua maldição. Lá, ele é encontrado por um culto, que o recruta para enfrentar o diabo, que pretende encarnar no corpo de um garoto.

Ação – (Ghost Rider: Spirit of Vengeance) EUA, 2012. Direção: Mark Neveldine e Brian Taylor. Elenco: Nicolas Cage, Idris Elba, Violante Placido. Duração: 95 minutos. Classificação: 12 anos.

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Reis e Ratos

Rio de Janeiro, 1963. Uma cantora de boate é vítima de um atentado a bomba, e flashbacks revelam que o incidente, ocorrido em plena Guerra Fria e às vésperas do golpe militar, tem participação da CIA, um major da aeronáutica, um latifundiário brasileiro, um trambiqueiro carioca…

Comédia/Suspense – Brasil, 2012. Direção: Mauro Lima. Elenco: Selton Mello, Otávio Müller, Rodrigo Santoro, Cauã Reymond, Rafaela Mandelli, Seu Jorge, Paula Burlamaqui, Bel Kutner. Duração: 93 minutos. Classificação: 14 anos.

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Caminho Para o Nada

Um cineasta se vê em meio a uma teia de intrigas envolvendo uma mulher, um crime e seu passado.

Policial/Suspense – (Road to Nowhere) EUA, 2010. Direção: Monte Hellman. Elenco: Shannyn Sossamon, Cliff De Young, Dominique Swain. Duração: 126 min. Classificação: 14 anos.

Estreia em São Paulo.

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Hotxuá

Registro de como vive a tribo indígena Krahô, no Tocantins, e sua tradicional Festa da Batata, que marca a passagem da estação chuvosa para a seca, além de celebrar a fertilidade da tribo.

Documentário – Brasil 2011. Direção: Letícia Sabatella e Gringo Cardia. Duração: 70 minutos. Classificação: livre.

Estreia em Brasília, Porto Alegre, Rio de Janeiro e São Paulo.

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VISATE

O Projeto Circulação da Arte, idealizado e realizado por Cristiane Marcante e Mona Carvalho, retorna às janelas dos ônibus da VISATE com o tema A Safra da Vida na Magia das Cores. A obra intitulada “Cores da Vida” de Cristiane Marcante, resgata a trajetória dos nossos imigrantes, de uma forma entusiasta e encantadora. Nela está representada a chegada destes, através de navios, o início da colonização, a comunicação por meio de cartas, o dialeto vêneto, o trabalho, a safra da uva, a indústria e a tecnologia. As palhetas de cores da artista estão representadas na tela em comemoração aos 40 anos das primeiras imagens televisionadas com cor.

O apoio cultural é da Visate, Epropaganda e Secretaria Municipal da Cultura.

Brasileiros participam em festival de Cartagena

Em sua 52ª edição, Festival Internacional de Cinema de Cartagena é a mostra mais antiga da América Latina. Ocorre entre 23 e 29 de fevereiro na Colômbia

O 52º Festival Internacional de Cinema de Cartagena, na Colômbia, vai reunir grandes produções do cinema da Colômbia, de países iberoamericanos e de outras localidades do mundo. O Brasil será representado com onze filmes no festival que ocorre entre 23 a 29 de fevereiro de 2012 e exibirá longas, curtas-metragens e documentários.

Pela primeira vez, as projeções serão gratuitas em todos os cenários da cidade banhada pelo Mar do Caribe. “Dessa forma, o festival cinematográfico mais importante da Colômbia reforça seu compromisso com a qualidade cinematográfica, rigor técnico em suas projeções e agora estará aberto a todo o público”, destaca a organização do evento que espera oito mil expectadores.

Entre as produções brasileiras confirmadas estão “Heleno”, do diretor José Henrique Fonseca, que conta a história do jogador Heleno de Freitas, interpretado por Rodrigo Santoro; “Histórias que só Existem Quando Lembradas”, de Julia Murat, co-produção de Brasil, Argentina e França; “Violeta se Fue a los Cielos”, do chileno Andres Wood, numa co-produção entre Chile, Argentina e Brasil; além do documentário “As Canções”, de Eduardo Coutinho, em que homens e mulheres cantam músicas que marcaram suas vidas.

Dos 20 curtas-metragens da mostra, seis são brasileiros, sendo eles: “A Fábrica”, do diretor Aly Muritiba; “Assunto de Família”, de Caru Alves de Souza; “A Poeira e o Vento”, de Marcos Pimentel; “De La Praça”, de Frederico Pinto; “Licuri Surf”, de Guilherme Martins; e “Uma Primavera”, de Gabriela Amaral Almeida.

Ao todo serão 103 filmes na programação, que inclui onze filmes que ganharam o Shell de Ouro na última década no Festival Internacional de Cinema de San Sebastian-Donostia. Haverá uma retrospectiva da obra da diretora francesa Claire Denis, que levará para as telas a visão única e a sensibilidade especial que caracteriza seus filmes.

A mostra terá ainda 19 produções universitárias e sete filmes em tributo à atriz Isabella Rossellini, que estará em Cartagena. Entre os convidados especiais também estão o diretor argentino-brasileiro Hector Babenco (de “Carandiru”, “O Beijo da Mulher Aranha” e “Pixote, a lei do mais fraco”, entre outros), o ator mexicano Gael García Bernal (de “Babel”, “Má Educação”, “Diários de Motocicleta), a diretora francesa Claire Denis (Bom Trabalho, Chocolate, 35 doses de Rum) e o ator cubano Jorge Perugorria (Che, Guantanamera, Rainhas).

Criado em 1960, o Festival Internacional de Cinema de Cartagena de Índias (FICCI) é o mais antigo evento de cinema da América Latina. A mostra passa pelas novas tendências do mundo do cinema, ao mesmo tempo em que mantém o foco central no cinema latino-americano.

Saiba mais sobre o festival no site: www.ficcifestival.com

Sérgio Molina (Divulgação)

Nem sempre o Carnaval brasileiro foi uma festa em que a música era imposta pelos grandes meios de comunicação. É o que explica Sérgio Molina, coordenador da pós-graduação ‘Canção Popular’, da Faculdade Santa Marcelina (FASM): “Pelo contrário, o Carnaval era – e ainda é em várias regiões do País – uma festa de rua com origem e artesanato estritamente populares”.

PC: Como surgiram as hoje tradicionais músicas de Carnaval?

SM: No contexto da então capital, Rio de Janeiro, os foliões se reuniam em blocos e agremiações que iriam gerar – na passagem para década de 1930 – as primeiras Escolas de Samba. Com elas se desenvolveria pouco a pouco a ideia de um tema para o desfile, o enredo que seria também o mote para o samba que seria composto. O auge dessa tradição encontra ainda nos anos 1960, uma produção que ser popularizava cada vez mais ao mesmo tempo em que, curiosamente, aprofundava a qualidade das composições.

Quanto às marchinhas, se destacam dentre os compositores, além da pioneira Chiquinha Gonzaga com o ‘Abre Alas’, no início do século, outros dois – Lamartine Babo e Braguinha. A partir dos anos 1990, há uma ressurgimento desse gênero, especialmente no carnaval de rua de São Luiz do Paraitinga, em São Paulo.

Cena do filme "O Guarda-Costas"

Whitney Houston… TODA vez que eu ouvia o nome dessa cantora, me colocava no lugar do Kevin Costner no filme O Guarda Costas. Sério.

Eu tinha inveja dele por estar tão perto dela. Eu tinha 15 anos na época, então… dá para entender um pouco, né? Eu ouvia todas as músicas que ela cantava no filme. Mandei fazer uma fita cassete com as músicas do filme, para eu e minha mãe escutarmos na sala de casa. Mas não adianta: a que mais fez sucesso foi I will always love you, música originalmente composta e gravada pela cantora Dolly Parton, lá na década de 70, e regravada em 1982 para o filme A melhor casa suspeita do Texas protaganizado por Dolly e Burt Reinolds.

Dez anos antes de Whitney gravá-la para o filme que estrelou com o (sortudo) Costner. Apelidada de The Voice (A Voz), Whitney foi a artista mais premiada de todos os tempos: 02 Emmy Awards, 06 Grammy Awards, 30 Billboard Music Awards, 22 American Music Awards, num total de 415 prêmios conquistados em sua carreira até 2010. Isso é muito prêmio.

Foi a partir das primeiras aparições dela na MTV que o trabalho de artistas afro-americanos do sexo feminino, como Janet Jackson e Anita Baker, começou a ser melhor aceito; sua presença nas estações de rádio deixou, finalmente, de ser tabu.

Então: Whitney abriu muitos espaços. E é isso que conta para lembrar essa cantora fantástica. Sem mais para o momento, me despeço, deixando para vocês dois vídeos, um do filme “A melhor casa suspeita do Texas”, e outro, claro, da Whitney Houston. Whitney, que os anjos estejam com você…

A invenção de Hugo Cabret (Divulgação)

SÃO PAULO, 16 Fev (Reuters) – Conta-se que quando os irmãos Lumière mostraram pela primeira vez, em 1895, seu filme de 50 segundos “A chegada do trem na estação”, o público temeu que o trem saísse da tela e o atropelasse. Em “A Invenção de Hugo Cabret”, novo filme de Martin Scorsese, essa cena é recriada. É improvável que, nos dias de hoje, alguém se assuste com ela. Mas há outra no longa que pode causar algum susto, quando um trem descarrilado parece realmente avançar para fora da tela. Um susto causado especialmente pela qualidade do 3D e pela incrível capacidade de sedução do longa.

“A invenção de Hugo Cabret” é um filme infantil – o que acontece pela primeira vez na carreira de Scorsese – mas não necessariamente apenas para o público infantil. É, acima de tudo, a obra de um cineasta completamente apaixonado pelo cinema, que vê nele o combustível para sua vida. O longa foi campeão de indicações ao Oscar, com 11 – entre elas, melhor filme, diretor, roteiro adaptado e fotografia. Estreia nos formatos 3D e convencional – ambos em versões dubladas e legendadas.

Scorsese usa o máximo da tecnologia que o cinema oferece atualmente para contar uma história com ar retrô, sobre um período de quase um século atrás, os anos 1930, e falar dos primórdios do cinema – entre outras coisas. O roteiro, assinado por John Logan (“O Aviador”), adapta o magnífico livro infantil de Brian Selznick que já era uma homenagem ao cinema não só pelo tema como por suas ilustrações. Também assinadas por Selznick, elas mais parecem um story board cinematográfico, mostrando detalhes e recortes entre planos de imagens.

Na história do pequeno Hugo (Asa Butterfield, de “O Menino do Pijama Listrado”), há muito em comum com a infância do próprio Scorsese, que descobriu a paixão pelo cinema quando ainda criança. Mas também há algo que ressoa no Scorsese de hoje, que além de cineasta é um dos profissionais mais empenhados na restauração, preservação e difusão de filmes antigos. Não por acaso, o livro de Selznick tocou fundo no diretor de “Taxi Driver”. Com “A Invenção de Hugo Cabret”, ele realiza um filme que, ao mesmo tempo, é a soma de tudo que fez e aponta novos caminhos, não só para o seu cinema, mas para a arte como um todo.

Há algo de Charles Dickens na trajetória do pequeno órfão que, desde a morte do pai (Jude Law), vive escondido numa grande estação de trem em Paris, onde seria criado pelo tio beberrão (Ray Winstone), que desapareceu. Para não ser descoberto e mandado para um orfanato, o garoto executa secretamente o trabalho do tio: dar corda em todos os relógios da estação todos os dias. Seu maior inimigo é o Agente (Sacha Baron Cohen), obcecado por manter a ordem no local, que, ferido na guerra, manca de uma perna e sempre circula acompanhado de um feroz doberman.

A vida de Hugo é pautada por máquinas e mecanismos. A única lembrança que o garoto guarda do pai é um boneco autômato, que foi salvo do esquecimento no porão de um museu em que ele trabalhava, antes de morrer no incêndio que destruiu o local. O menino tem certeza de que o boneco é capaz de escrever algo, uma mensagem deixada por seu pai. Mas, para tanto, precisa terminar o seu conserto. Faltam-lhe peças, e essas são supridas por meio de pequenos furtos da loja de brinquedos dentro da estação, de propriedade de um velho ranzinza, conhecido como Papa Georges (Ben Kingsley).

A amizade entre Hugo e a filha adotiva de Papa Georges e Mama Jeanne (Helen McCrory), Isabelle (Chloë Grace Moretz, de “Deixe-me Entrar”), poderá ajudar não apenas o garoto a trazer o autômato de volta à vida – e assim descobrir a mensagem secreta de seu pai – como também resgatar o passado de Georges. Essa trama remeterá “A Invenção de Hugo Cabret” aos primeiros tempos do cinema, quando era pura diversão, algo pueril cujo conceito de arte ainda estava sendo descoberto. Ao menos até a chegada de Georges Meliés, que soube aprimorar o invento dos irmãos Lumière, adicionando-lhe elementos de fantasia e produzindo verdadeiras obras-primas.

NOSTALGIA

Um dos momentos cinematográficos mais famosos criados pelo francês é o olho da Lua atingido por um foguete. Essa imagem aparece em “A Invenção de Hugo Cabret” e vem repleta de significados – especialmente nostalgia. Nutrindo essa sensação de sentir falta daquilo que não vivemos, Scorsese nos leva por um passeio pelos filmes antigos. Quando Hugo e Isabelle folheiam um livro de história do cinema, as figuras que eles veem se materializam na tela na forma de antigos filmes mudos.

Ao mostrar o começo do cinema, Scorsese também desmistifica a arte, mostra que tudo – desde Meliés até hoje – não passa de truques, jogos de espelhos para contar uma história. A fotografia – assinada por Robert Richardson (“Ilha do Medo”) -, no entanto, não faz do 3D um mero artifício. O efeito serve para ampliar o campo de visão e produzir uma imersão dentro da narrativa. Poucos filmes foram capazes de usar o 3D com tanta propriedade. James Cameron em “Avatar” criou um novo mundo por meio de efeitos gráficos. Aqui, Scorsese e Richardson reinventam o nosso mundo real. E, não por acaso, há um clima artificial semelhante a ilustrações de livros infantis nos cenários, na direção de arte, tudo isso para remeter às criações do próprio Meliés.

Quando, numa das primeiras cenas, Hugo vê a cidade enquadrada por uma abertura no mostrador de um relógio da estação, é impossível não pensar em Scorsese, menino asmático e solitário, vendo a vida passar diante da janela de sua casa, de onde ele observava o mundo e sonhava participar da vida. O triunfo da imaginação – de Scorsese, de Meliés, de Hugo – é o antídoto à solidão e à mesmice. Como diz o personagem de Humphrey Bogart em “O Falcão Maltês (1941), esse é o material de que os sonhos são feitos.

(Por Alysson Oliveira, do Cineweb)

* As opiniões expressas são responsabilidade do Cineweb

Fonte: Reuters

Caminho para o Nada (Divulgação)

SÃO PAULO, 16 Fev (Reuters) – Verdadeiro outsider em Hollywood, o veterano cineasta norte-americano Monte Hellman (“Iguana – A Fera do Mar”, “A Vingança de um Pistoleiro”) foi um dos descobridores de Quentin Tarantino ao produzir “Cães de Aluguel” (1992), que deslanchou sua carreira.

Dezoito anos depois, como presidente do júri do Festival de Veneza, em 2010, Tarantino retribuiu a gentileza inventando um segundo Leão de Ouro especial pelo conjunto de sua obra, no ano em que Hellman, nascido em 1932, participava pela primeira vez de uma competição, com o experimental “Caminho para o Nada” – seu primeiro filme produzido em 21 anos e um trabalho tão inventivo que, na coletiva de imprensa, mesmo seu elenco confessou não tê-lo entendido.

Não é para menos. Em poucas palavras, “Caminho para o Nada”, que estreia em São Paulo, trata de uma viagem metalinguística em torno da filmagem de uma história envolvendo um duplo suicídio. Obcecado pelo crime, um diretor, Mitchell Haven (Tygh Runyan), preocupa-se com a precisão nos mínimos detalhes, até mesmo optando pelo lugar real dos acontecimentos, na Carolina do Norte, como sua locação. Ele escolhe como protagonista uma jovem estreante, Laurel Graham (Shannyn Sossamon, do seriado “Moonlight”). E ela é a cara da mulher fatal do crime real, Velma Duran.

A filmagem é conturbada, tanto pelas obsessões do diretor, que caminham rumo ao apagamento da fronteira entre ficção e realidade, quanto pela participação de alguns outros personagens. Caso de uma blogueira, Nathalie Post (Dominique Swain, a “Lolita” de Adrian Lynne), e um investigador de seguros, Bruno Brotherton (Waylon Payne), que tem uma agenda própria para ficar por perto do set de filmagens.

Que a mistura de todos os elementos do roteiro de Steven Gaydos – também jornalista da “Variety” – guarde semelhança com o universo de David Lynch, não será mera coincidência. Mas o diretor Hellman quer bem mais do que tocar o terreno das obsessões que movem seus personagens, cada um a seu modo. O aspecto mais interessante deste filme, com certeza, está na metalinguagem.

Quando “Caminho para o Nada” começa, os créditos correspondem ao filme dentro do filme, ou seja à produção estrelada por Laurel Graham e dirigida por Mitchell Haven -os nomes ficcionais dos atores. Na primeira sequência, a blogueira mostra ao cineasta um outro filme num computador. Ou seja, os olhares se engolem uns aos outros, em visões e versões sobrepostas dos fatos.

As referências cinematográficas também marcam presença. Mitchell mostra a Laurel cenas de alguns de seus filmes favoritos, como “O Sétimo Selo”, de Ingmar Bergman; “O Espírito da Colmeia”, de Victor Erice; e “As Três Noites de Eva”, de Preston Sturges. Numa fala que pode muito bem refletir o pensamento do próprio Monte Hellman, através de seu alterego Mitchell, este comenta: “Nenhum cineasta gosta de comentar a quantos filmes assistiu, pois lhe desagrada admitir quanto tempo passou observando os sonhos dos outros”.

Também não falta ironia ao longo da história, como quando os produtores do filme cogitam escalar Leonardo DiCaprio e Scarlett Johansson, o que é descartado pelo esnobe Mitchell – uma nítida piada do roteiro aos meandros de Hollywood, que o alternativo Hellman conhece tão bem e sem ilusões a esta altura da vida.

Sobre a eventual dificuldade de compreensão de “Caminho para o Nada”, o próprio Hellman invocou, na coletiva de Veneza, o poeta e cineasta francês Jean Cocteau. Segundo ele, Cocteau dizia que uma obra de arte deve ser “difícil de tocar”. Por isso, precisaria ser revisitada muitas vezes, o que certamente é o que merece este seu filme criativo e poderosamente intrigante.

(Por Neusa Barbosa, do Cineweb)

* As opiniões expressas são responsabilidade do Cineweb

Fonte: Reuters

Reis e Ratos (Divulgação)

SÃO PAULO, 16 Fev (Reuters) – Para o seu terceiro longa como diretor, Mauro Lima (“Meu Nome Não É Johnny”) vai buscar inspiração na história real – o golpe militar no Brasil, em 1964 – para inventar teorias de conspiração e personagens um tanto caricatos. A trama de “Reis e Ratos”, assinada pelo diretor, pretende fazer rir, mas parece não se dar conta do quanto é difícil arrancar algo de engraçado de um tema tão sério.

Uma das coisas que mais chama a atenção em “Reis e Ratos” são as interpretações antinaturalistas. Selton Mello é Troy, agente da CIA que tem uma sapataria no Brasil, que lhe serve de fachada. Suas falas seguem a entonação de dubladores de filmes noir antigos. Cauã Reymond é Hervê, locutor de rádio de voz fanhosa, que tem transes mediúnicos no meio de seus programas. Rodrigo Santoro é Roni Rato, um vigarista sujo e de dentes estragados que vive de golpes e da venda de livros de porta em porta. Já a cantora Amélia Castanho (Rafaela Mandelli) usa o seu sotaque gaúcho ao natural.

Junto desses personagens também estão outros americanos que têm como objetivo evitar que o Brasil se torne comunista – como é o caso de Skutch Sanders (Kiko Mascarenhas), que fala com o sotaque de americano em novela e veio ao Brasil investigar a fidelidade de Troy ao seu país natal.

O filme mostra diversos momentos, por meio dos pontos de vista desses e outros personagens, dos dias que antecedem o golpe militar. Uma bomba explode numa comemoração de uma pequena cidade do interior do Rio, onde Amélia se apresentaria. Ela é salva por um transe do radialista, que solta mensagens no ar sobre a explosão que ele prevê.

Os personagens se movem por cenários luxuosos dos bastidores do poder enquanto Troy e o major Esdras (Otavio Müller) veem de perto o desenrolar de um golpe de Estado – ou algo parecido. O roteiro é confuso, especialmente quando entra, no meio do filme, um longo flashaback em preto e branco.

Os diálogos mostram-se exagerados e forçados, tentando ser, ao mesmo tempo, informativos e pop. Mais perto do fim, quando o personagem de Cauã se transforma num espadachim viking, parece ser a prova de que Lima queria fazer um filme completamente sem nexo. E conseguiu.

(Por Alysson Oliveira, do Cineweb)

* As opiniões expressas são responsabilidade do Cineweb

Fonte: Reuters

Bob Dylan (Divulgação)

Confesso. Tenho uma quedinha pelos bardos modernos. Se pudesse, seria amante de Bowie – mas casar, casar mesmo, só com Dylan. Feliz fico, então, em saber que poderei chegar pertinho do “meu” admirado setentão em abril. Sim, ele vem a Porto Alegre

Há cinquenta anos, Bob Dylan compõe e grava hinos que marcam o passar do tempo e se opõem à estupidez humana. Com letras que alimentaram os movimentos anti-guerra e embalaram a conquista de direitos civis, reestabeleceu os limites políticos da música popular. Aliás, foi ele – que nasceu no rockabilly, se popularizou com o folk, transitou pelo gospel e estourou com o rock – a principal influência sobre os grandes nomes das décadas de 1960 e 1970, ensinando a importância de unir acordes e poesia. Maior que Dylan, só Beatles.

Quem tem mais do que 20 anos tem noção do que eu estou falando. Se não, está na hora de conhecer. Em qualquer um dos casos, vale a pena acompanhar a pequena coletânea abaixo e esquentar as turbinas: em abril, ele estará aqui. Ontem (16), foram confirmados seis shows no Brasil, no Rio de Janeiro (Citibank Hall, dia 15), Brasília (Ginásio Nilson Nelson, dia 17), Belo Horizonte (Chevrolet Hall, dia 19), São Paulo (Credicard Hall, dias 21 e 22) e em Porto Alegre (Pepsi On Stage, dia 24).

Anos 1960
Em janeiro de 1961, Bob Dylan rumou para Nova York para conhecer o ídolo Woody Guthrie. Fã, não escondia a admiração: “Você pode escutar suas canções e aprender a viver”, disse certa vez. Um ano depois, gravou o primeiro álbum, Bob Dylan, combinando folk, blues e gospel.

Anos 1970
Se, no começo da década, as composições de Dylan não foram bem recebidas pela crítica (eram consideradas “fracas” em comparação ao trabalho anterior), o ano de 1975 marcou a volta ao sucesso, a partir de músicas de protesto.

Anos 1980
Após uma aproximação com o Cristianismo nos anos 1970, Dylan afasta-se do gospel e retoma seu clássicos. Combina-os com a nova sonoridade e, no final da década, forma a mega banda Traveling Wilburies, com ninguém menos do que “Pretty Woman” Roy Orbison e Beatle George Harrison, além do guitarrista Tom Petty e cantor Jeff Lynne (ex-Electric Light Orchestra).

Anos 1990
Após um breve período sem inovações, Dylan lança, em 1997, mais um álbum de inéditas, Time out of mind. Contudo, a consagração vem na forma de um ranking da revista Rolling Stones. Nele, entre as “500 melhores músicas da história”, Like a Rolling Stone ficou em primeiro lugar. Primazia.

Scheila Silveira

O Homem que Mudou o Jogo (Divulgação)

SÃO PAULO, 16 Fev (Reuters) – O beisebol não é um esporte muito popular no Brasil, ao contrário dos Estados Unidos, onde os campeonatos são uma verdadeira febre nacional e a rivalidade entre as equipes é tema inesgotável para o cinema. Mesmo assim, não é necessário saber o que é um “home run” para encarar uma sessão de “O Homem que Mudou o Jogo”, de Bennett Miller (de “Capote”), com Brad Pitt em uma atuação que lhe valeu indicação ao Oscar de melhor ator.

Na realidade – e por sorte -, o filme não se excede na apresentação de partidas de beisebol. O filme é sobre o jogo de um homem só, aquele que nos estádios da vida se disputam a cada minuto em busca de um sentido para a existência. É o jogo que implica a tomada rápida de decisões, a ousadia de seguir seu instinto, mesmo correndo o risco de errar.

Inspirado em um personagem real, Brad Pitt é Billy Beane, gerente de um time de beisebol dos Estados Unidos que, a cada temporada, tem a responsabilidade de fazer as contratações de jogadores para a equipe. É ele quem monta o time que será escalado pelo treinador. Qualquer escolha errada implica adiar por mais um ano a conquista do campeonato e recomeçar tudo de novo.

Beane jamais acompanha um jogo no estádio. No dia do grande evento, ouve trechos da partida no rádio do carro, ou nos vestiários. Talvez não queira lembrar dos tempos em que era um jovem rebatedor, uma revelação que nunca se concretizou. Separado da mulher, Sharon (Robin Wright), procura estar próximo da filha adolescente (Kerris Dorsey), mesmo sabendo que não é um modelo de vencedor.

Por uma daquelas obsessões capazes de reerguer a carreira de um derrotado, ou soterrá-la de vez, encontra num jovem nerd, Peter Brand (Jonah Hill), a companhia ideal para seu lance mais ousado: montar uma equipe com base em um sistema estatístico criado pelo rapaz a partir de informações lançadas em um computador. A escolha dos jogadores deixa de estar atrelada à qualidade técnica do atleta, mas aos resultados positivos ou satisfatórios obtidos em jogos e temporadas anteriores. É como se o computador escalasse o time.

A estratégia, que encontra oposição nos dirigentes e no próprio treinador, Art Howe (Philip Seymour Hoffman, que já havia trabalhado com Miller, em “Capote”, que lhe valeu o Oscar de melhor ator, em 2006), coloca seu emprego em risco. Ele faz contratações controversas, demite astros consagrados e os resultados não aparecem. Seu tempo se esgota, mas ele resolve ir até o fim. Ele ainda tem esperanças de percorrer todas as bases, depois de uma rebatida espetacular, e completar o “home run” que não conseguiu no passado.

(Por Luiz Vita, do Cineweb)

* As opiniões expressas são responsabilidade do Cineweb

Fonte: Reuters

Meryl Streep (Divulgação)

São Paulo, 16 Fev (Reuters) – Meryl Streep vem colecionando prêmios na pele da ex-primeira ministra britânica Margaret Thatcher, protagonista da cinebiografia “A Dama de Ferro”. Já ganhou um Globo de Ouro e um Bafta e, de quebra, concorre neste dia 26 à sua 17ª indicação ao Oscar, mais uma vez como melhor atriz.

Exímia na atuação e no domínio de sotaques, Meryl é certamente o grande trunfo do filme da britânica Phyllida Lloyd (“Mamma Mia!”), com roteiro de Abi Morgan (do ainda inédito “Shame”), e no qual se demonstra mais preocupação com um tom intimista do que de fidelidade histórica.

O foco do enredo está na humanização de sua polêmica personagem, que governou a Inglaterra com mão de ferro entre 1979 e 1990, notabilizando-se por uma defesa estrita do monetarismo, da privatização de estatais, da flexibilização do mercado de trabalho e cortes de benefícios sociais, eliminando até o salário mínimo (restabelecido por Tony Blair em 1999).

Passando um tanto batido por boa parte desse contexto político, o filme retrata a ex-primeira ministra – que está viva, com 86 anos – na atualidade, como uma velha senhora abalada pela semi-senilidade, solitária e cercada de auxiliares mais empenhados em vigiá-la do que acolhê-la. Difícil não se sentir penalizado diante desta situação, ainda mais contando com uma intérprete do quilate de Meryl Streep para explorar suas nuances.

Despojada de sua glória, esta senhora fragilizada tem pouco mais a fazer do que recordar o passado, que ela não raro discute com o fantasma do marido, Denis (Jim Broadbent) – uma sombra dos bons tempos que parece recusar-se a abandoná-la.

As lembranças trazem de volta as imagens de uma jovem de província (interpretada nesta fase por Alexandra Roach). Filha de um comerciante, ela vem de baixo e vai abrindo seu caminho, à custa de muito trabalho e estudo, na prestigiada universidade de Oxford.

Por influência do pai e do marido, que foi um executivo da indústria petrolífera, Margaret entra para o reduto machista da política. Apesar disto, com persistência e seguindo conselhos de alguns aliados, muda de penteado e impõe seu estilo, para tornar-se a primeira mulher a alcançar o cargo de primeira-ministra na Inglaterra.

Dificilmente não despertaria simpatia uma narrativa carregada deste tom feminista. O problema é que a época de Thatcher, como é de conhecimento geral, foi marcada por episódios cruciais, como a Guerra Fria, uma longa greve de mineiros, a Guerra das Malvinas com a Argentina e o enfrentamento com o Exército Republicano Irlandês (IRA) – que armou uma bomba para tentar matá-la, em 1984.

Sendo assim, o filme parece uma sombra pálida demais para retratar uma personagem assim complexa. E, ao contrário do consistente “J. Edgar”, de Clint Eastwood, que lidou à altura com o não menos polêmico chefão do FBI, John Edgar Hoover, “A Dama de Ferro” não dá conta nem de um mínimo da ambiguidade de sua importante protagonista.

(Por Neusa Barbosa, do Cineweb)

* As opiniões expressas são responsabilidade do Cineweb

Fonte: Reuters

– Estréia dia 17/02 nos cinemas
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Sinopse:

Estado do Rio de Janeiro, 1963. Um coreto no centro de um pequeno município explode no exato momento da abertura de uma gincana local. O alvo do atentado é uma cantora de boate, cuja presença é uma das tarefas da efeméride anual. A mulher, porém, escapa ilesa. Pouco antes do coreto ir pelos ares, ela escuta no rádio do automóvel uma estranha transmissão; o locutor, em transe, revela o plano que pretendia vitimar a ela própria. Esta é a cena inicial de Reis e Ratos. A partir daí o filme conta, através de uma narrativa em flash-back, uma espécie de parábola suja da Guerra Fria. A trama e suas situações conduzem o espectador por entre a atmosfera conspiratória das vésperas do golpe militar de 1964 e seus ecos, nas ruas da cidade e nos corredores da Embaixada Americana.

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– Estréia dia 17/02 nos cinemas
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Sinopse:

Baseado numa história real, O Homem Que Mudou O Jogo (Moneyball) é um filme para quem nunca sonhou em ser parte do sistema. Brad Pitt interpreta Billy Beane, o gerente geral do time Oakland A’s e o responsável pela montagem da equipe, que tem uma epifania: tudo da sabedoria convencional do beisebol é errado. Forçado a reinventar sua equipe com um orçamento apertado, Beane terá que ser mais esperto que os clubes mais ricos. A equipe que antigamente contava com atletas estudantes da Ivy League, faz uma parceria improvável com Peter Brand (Jonah Hill), recrutando jogadores e barganhando com rejeitados, todos eles com uma mínima habilidade para chegar à base, marcar pontos e ganhar jogos. É mais do que beisebol, é uma revolução – uma atitude que desafia as tradições da velha escola e coloca Beane na mira daqueles que dizem que ele esta acabando com o coração e a alma do jogo.

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– Estréia dia 24/02 nos cinemas
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Sinopse:

O jovem advogado londrino Arthur Kipps (Daniel Radcliffe) é forçado a deixar seu filho de três anos e viajar para a pequena vila de Crythin Gifford para tratar dos assuntos do recentemente falecido dono da Casa Eel Marsh. Mas quando ele chega à arrepiante mansão, descobre segredos obscuros no passado da cidade. Sua sensação de mal-estar aumenta quando ele vislumbra uma misteriosa mulher toda vestida de preto.

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– Estréia dia 24/02 nos cinemas
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Sinopse:

Adaptado do aclamado best-seller de Jonathan Safran Foer, Tão Forte e Tão Perto é uma história que se desenrola de dentro da mente do jovem Oskar Schell, um criativo menino de 11 anos de idade, de Nova York, cuja descoberta de uma chave nos pertences de seu falecido pai faz com que ele entre numa busca urgente por toda a cidade para achar qual fechadura ela abre. Um ano depois de seu pai ter morrido na tragédia do World Trade Center, apelidado por Oskar de “O Pior Dia”, ele está determinado a manter a sua ligação vital com o homem que o encorajava de forma divertida a encarar os seus piores medos. Agora, à medida que Oskar atravessa os cinco distritos de Nova York em busca da fechadura perdida – encontrando uma variedade de pessoas que, da sua própria maneira, são sobreviventes -, ele começa a descobrir ligações invisíveis com o pai, de quem ele tanto sente falta, com a mãe, que parece tão longe dele, e com o mundo à sua volta, tão barulhento, perigoso e desorientador.

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Programa Domingo no Campo. Na foto: sítio do Juca - aprendizado agropecuário (Foto: Divulgação/PMPA)

Uma boa dica para porto-alegrenses e turistas que quiserem fugir dos festejos de Carnaval, ou recuper o fôlego após a folia, é a próxima edição do Domingo no Campo. No próximo dia 19, realizado mais um roteiro, com visitas a pequenas propriedades da rota turística Caminhos Rurais. O passeio terá saída às 10h, na avenida Oswaldo Aranha, próximo ao Centro de Informações Turísticas (CIT) do Mercado Bom Fim (Parque Farroupilha).

Serão percorridas três propriedades que trabalham no sistema de agricultura familiar, localizadas numa região em que ainda existem estâncias do século XIX. A primeira visita será no Sítio do Tio Juca, bairro Lami. O proprietário é um antigo morador do bairro, que recepciona os visitantes com muita alegria e humor ao mostrar a sua produção e explicar detalhes sobre o manejo agroecológico.

Em seguida, o grupo sairá em direção ao bairro Campo Novo, para o Sítio Chimango, que produz flores de corte e arranjos. No local, será servido o almoço (opcional). Após, será visitado o Sítio do Mato. A propriedade oferece atividades pedagógicas e recreativas em meio à mata nativa, açude com plantas aquáticas e viveiro de aves. O objetivo do Sítio do Mato é proporcionar aos visitantes, acostumados à vida urbana, um convívio direto com pequenos animais, além de observação de árvores frutíferas.

Reservas - Para participar é necessário fazer reserva antecipada com as agências de turismo receptivo que oferecem o passeio: Rota Cultural (51 3348-1649 e 9985-8303 / e-mail: alo@rotacultural.com.br); Bonete Tur (51 3019-0689 e 8454-5321); Pampas Viagens & Turismo (51 3251-5192 e 9186-7250 / e-mail: atendimento@pampasviagens.com.br); RMT Turismo (51 3062-1920 / e-mail: rmtturismo@rmtturismo.com.br) e TriLegal turismo (51 3221-7201 / e-mail: trilegalturismo@hotmail.com).

Fonte: PMPA

Dago (Divulgação)

Festival de Música Avançada e New Media Art contará com 17 atrações nacionais que devem agitar a capital paulista nos dias 11 e 12 de maio. Dago (foto) e Psilosamples estarão também na edição de Barcelona

As 11 atrações brasileiras com presenças confirmadas até agora no lineup do Sónar São Paulo 2012 – número que crescerá até o próximo anúncio de lineup, previsto para março – trazem a essência do festival, que sempre apostou no novo em termos de sonoridades e experiências performáticas.

Os nomes anunciados pela Dream Factory e Advanced Music, organizadores do festival, são oriundos de diversas vertentes, mas convergem ao objetivo principal do evento: descobrir novos artistas com novas sonoridades e trazer à tona velhos nomes, sob formatos e releituras inéditas.

Dos artistas nacionais já apresentados estão Emicida, rapper paulistano dono de um talento único para a improvisação; The Twelves, duo de Niterói famoso no mundo inteiro por conta de seus remixes; Psilosamples, mineiro que mistura a tradição folclórica do interior do Brasil com música eletrônica; Dago, DJ adepto da eletrônica global e Bruno Belluomini, embaixador da bass music no Brasil.

No último dia 7 de fevereiro foi a vez de mais seis atrações entrarem para a lista do festival: Gui Boratto, nome que dispensa apresentações; Marky & Patife, lendas do drum & bass nacional em uma inédita performance back to back; o batidão amazônico da Gang do Eletro, grupo que vem dando uma nova cara ao tecnobrega; M.Takara & Akin, dois dos mais prolíficos ativistas da cena experimental paulistana; a nova música brasileira de Silva, artista eleito como uma das principais revelações de 2011 e a ode aos sintetizadores proposta pelo antitechno de Ricardo Donoso.

Através da escolha desses artistas, o Sónar São Paulo apresenta um pequeno recorte da música avançada no País – um panorama que mescla inovação, apostas, experimentalismo, projeção internacional, carisma, bom gosto, e, acima, de tudo, qualidade: rap; dance music; nova MPB; música experimental (com ou sem a presença de toques regionais); música eletrônica autoral; e, no caso dos DJs, “duelos” inéditos, além dos últimos avanços dentro da eletrônica globalista e do amplo espectro da bass music.

As atrações brasileiras juntam-se a Björk, Mogwai, Justice e outras dezenas de nomes na grade de atrações do Sónar São Paulo 2012, que promete sacudir a mais agitada e plural cidade da América Latina.

Intercâmbio

Dago e Psilosamples são os artistas brasileiros que, além de estarem confirmados no lineup da edição paulistana do festival, estarão também presentes em Barcelona, na edição catalã, realizada em junho. Conheça um pouco mais dos dois nomes dessa nova geração da música brasileira que prometem fazer bonito na terra natal do Sónar:

Psilosamples (Desmonta)

www.psilosamples.com

Psilosamples é o resultado da produção do mineiro Zé Rolê, um artista nascido e criado na pequena cidade de Pouso Alegre, localizada no sul do Estado. De maneira bem natural, o ambiente rural que envolve sua vida

Festival do Minuto

Melhor vídeo com tema terror irá levar R$ 1 mil em prêmio

Terror. Segundo o dicionário, qualidade daquilo que é terrível; perturbação ocasionada por perigo imediato, real ou não; medo, pavor. Objeto de espanto, ameaça, perigo, dificuldade extrema. Um susto súbito e sem fundamento. Ou por algo medonho, desconhecido.

Esse é o tema do novo concurso do Festival que há mais de 20 anos premia e democratiza o que de melhor e mais novo há na produção audiovisual brasileira, nos mais diversos formatos.

Mas nem só de sustos é feito o concurso. Boas risadas são outra opção para dar o tom dos vídeos. Parodiar aquele título clássico, um dos seus preferidos, ou apostar no humor trash vale também. Terror ou terrir: é só deixar a criatividade rolar solta!

Para participar, acesse www.festivaldominuto.com.br e inscreva seu vídeo de um minuto. Vale qualquer formato: animação, câmera de celular, HD. Seu vídeo será assistido por milhares de pessoas e julgado, além de concorrer a 1 mil reais.

As inscrições vão até 30 de junho de 2012.

Sobre o Festival do Minuto

O Festival do Minuto foi criado no Brasil, em 1991, e propõe a produção de vídeos com até um minuto de duração. É, hoje, o maior festival de vídeos da América Latina e também o mais democrático, já que aceita contribuições de amadores e profissionais indistintamente.